一個劇本可以充當一部你希望得到拍攝的電影的提案（就是我們所稱的投稿劇本），一部正在拍攝中的電影的藍圖（換句話說，就是拍攝劇本），以及一部已經拍好的電影的記錄（給剪輯師、作曲家等人在后期制作中使用）。這三項功能里唯一與你相關的是投稿劇本。

在寫作過程中的這個階段，你唯一的目的就是推銷你的劇本，并將其作為自己的一個寫作樣本。因此，一些出現(xiàn)在拍攝劇本中的慣例對于你的投稿劇本就是不必要的，還反而會減緩閱讀速度。場景的編號、大寫的音效，以及出現(xiàn)在大部分頁面底部的“待續(xù)”字眼都是拍攝用劇本才會采用的設計，它們應當被剔除在你的投稿劇本之外。

不必擔心如果你的劇本被成功賣出去了，你還得知道如何寫一個拍攝劇本。你在任何一個優(yōu)秀的劇本格式軟件中，通過菜單上的一個選項，就能將你的投稿劇本轉化成一個拍攝劇本。

以下的檢查清單可以應用到你劇本里的每一場戲，這樣就可以確保這場戲盡可能的高效。

在你完成了劇本的第一稿之后再使用這份檢查清單。雖然在你開始寫作流程的那一刻起，你的心里就已經有了這些原則，但是針對連續(xù)的重寫的，能有一些可以運用在手的新工具是很有幫助的。你在一個劇本上投入的工作時間越久，你就越有可能丟失你批評的客觀性，感到沮喪、困惑或是精疲力竭，并且開始滿足于那些并沒有最大限度地激發(fā)情緒的場景。使用新的方式來看待你的劇本可以幫助你想到額外的提升空間。

即使當一場戲沒有牽涉到主人公，它也可以造就故事的主心骨?！赌g師》中，烏爾偵探和王儲之間的戲并不包括主人公——艾森海姆。但是盡管如此，因為他們每一個人都都為主人公制造了額外的沖突，而主人公為了拯救以及之后替蘇菲報仇的目標不得不克服這些沖突，這些戲就促成了艾森海姆的外在動機，并且決定了他后來的動作。

你劇本里的每一場戲都應當好像一部迷你電影那樣；它必須設立、構建，和解決一個處境。這場戲并非一定要遵從完整劇本的前25%—中間50%—后25%的布局，但是它必須采用相同的情緒弧線。

在斯考特·諾伊施塔特和邁克爾·H·韋伯所著的劇本《和莎莫的500天》里，當湯姆和莎莫把他們的喝醉了酒的同事麥肯齊送上出租車時，一場關鍵的戲就開始了。當麥肯齊告訴莎莫，湯姆喜歡她，而她又去問湯姆這是不是真的時，這場戲就被構建了起來。當湯姆告訴莎莫，他確實喜歡她，但是是作為朋友的那種喜歡，然后他倆各自朝著相反的方向回家時，這場戲得到了解決。

偶爾，你或許會有意地打破這個開始—中間—結尾的規(guī)則，以期讓觀眾保持好奇和投入情緒。讓我們想象你有這樣一個場景：一位保姆走進了一幢埋伏著殺手的房子。我們跟隨保姆走進一間間房間，直至她聽見一個聲音從一扇柜門后傳來。我們看著她打開柜門并發(fā)出一聲尖叫，她的臉上流露出驚恐的表情。

這個劇本然后就切換到了另一個場景，并在隨后才展示保姆的尸體。通過場景的切換，我們讓第一場戲沒有得到解決，在中間就結束了。它的解決（保姆被謀殺）是后來在稍晚的場景里得到展露的，且與此同時，觀眾的情緒也已被好奇心和期待感給帶高了。

雖然這可以是一個有效的手段，但不要過分依賴它；在一個劇本里用上那么一兩次已經夠多了。

在每一場戲的結尾，你必須迫使審讀人翻動頁碼；什么時候一個審讀人對接下來將要發(fā)生的事情不再關心了，你的劇本就算失敗了。所以，每一場戲都必須讓審讀人覺得想要看到更多。

每一場戲里的每一個人物都想要一些東西。它有可能簡單到就是觀察正在發(fā)生的事情，或是花時間與另一個人相伴，但無論它是什么，人物在每一場戲里的可見目的都必須清晰明確。

每一場戲里的每一個人物都對正在發(fā)生的事情有一些特定的感受。不論是高興、傷心、憤怒、厭倦、恐懼、無趣或是興奮，每個人對于這個行動都抱有某種態(tài)度。

雖然人物們的可見目的總會得到展露（或者至少其中一個目的會得到展現(xiàn)，即使他們將其他的一些隱藏了起來），他們的態(tài)度不一定會對觀眾或是審讀人昭然若揭。但是作為作者，你必須知道你的人物感受如何。

當你創(chuàng)造了一個場景是以人物們所說的話，而不是他們所做的事為中心，這對于你這位作者來說就可算是一個危險的信號了。顯然，任何電影里都會有一些場景主要是由對白構成的。但是，如果電影里的大部分場景都落入了這一類型，你就有麻煩了。

這里是一個有效的竅門：想象由你的劇本拍攝出來的電影的聲道已被關掉。問問你自己觀眾是否仍然能理解人物的動機、沖突、解決，以及人物之間的關系。如果誠實的回答是“否”，那么你的劇本的對話成分就太重了，那么你就應當關注更多的動作成分，或者找到一個更加偏向于動作的故事概念。

即使是在包含有大量對白的電影，如《諾丁山》《好人寥寥》，或是《在云端》當中，觀眾僅僅只觀看動作就能清楚地展現(xiàn)主要人物是些誰，他們的渴求和沖突又是些什么，以及這些故事將如何得到解決。這些電影可能已經不再特別具有娛樂性，但是它們每一個故事的推動力仍會非常清晰。

這場戲有沒有盡最大可能地保持了觀眾在情緒上的投入？以下所有內容都有可能被包含在單獨一場戲里：人物背景、內在動機、內在沖突，和身份認同；主題；幽默性；（闡明情節(jié)、人物等的）提示部分；以及任何結構性的設計（觀眾優(yōu)先知情地位、期待、驚訝、前兆、回響等等）。

有些場景應當只包含動作而別無其他的。在由杰夫·阿奇和諾拉·艾芙隆所作的《西雅圖未眠夜》劇本中，當薩姆·鮑德溫跑到紐約去找喬納的時候，如果安排薩姆叫停出租車，并開始向司機吐露自己的內在沖突，那就會不利于培養(yǎng)觀眾的情緒，還會顯得荒謬可笑。當單獨的動作已然使得情緒高漲，就別再為這場戲添加多余累贅的其他目標。

那些激發(fā)起較低情緒水平的戲— 可見沖突沒有那么劇烈的場景—才是其他那些目的常常得到實現(xiàn)的地方。想想《西雅圖未眠夜》里一處較早的場景，當時薩姆正在同廣播里的心理學家交談，與此輪番切換的鏡頭是安妮·里德正通過收音機傾聽他的故事。這一片段幾乎沒有包含動作，觀眾的腎上腺素也就沒有特別高。但是，這些使用交切鏡頭的場景在交代人物背景、同理心、內在動機、內在沖突，制造回響、期待、好奇心、可信性，以及主題方面，為這個故事貢獻了很多。

請你在完成劇本的每一稿之后參照這份檢查清單，尤其是當你感覺到你與自己的故事已經過于緊密，你也已經做過太多次的改寫，而以至于你失去了自己的客觀性的時候。這些原理在此時就可充當一個工具，幫助你鑒別哪些場景最有效用，哪些需要改寫，哪些需要與其他的場景合并，以及哪些應當完全被擯棄。

摘編自《編劇有章法》

作者：邁克爾·豪格；譯者：吳筱